图像一代 [纽约]

2010.01.17

上周四晚，切尔西的Robert Miller画廊以“Patti Smith and Steven Sebring: Objects of Life”开场，带头为这个严寒刺骨的冬季开启了新的艺术季。

室内的氛围不比屋外的严寒。大批粉丝围住了史密斯，Sebring，和电影演员Jessica Lange，竞相拍照。Calvin Klein站在一边和朋友说话。影人Albert Maysles坐在前台边上，为一位不说意第绪语的人解释nachas的意思。摄影师Edward Mapplethorpe和艺术家、作家Jack Walls在前厅单独聊天，Ryan McGinley也进来了，一个胳膊上带着复原黑手套，另一只打着石膏。他解释说这是在New Hampshire滑雪时摔的，当时他为《时代》杂志拍摄冬奥会照片。哎呀，这家伙工作也太投入了吧。

史密斯冲出人群，陪着Michael Stipe看展。包括托不雷式的绘画，Sebring拍摄的史密斯路上生活的大幅摄影，一些物件装置，梅普索普的比利时拖鞋，如史密斯的老打印机，她最喜欢的书，以及她用宝利来拍摄的摄影。

接下来，是在Betsy Wittenborn-Miller宽敞的East End Avenue公寓举行，参加者有Klaus Biesenbach, Performa 总监RoseLee Goldberg, 传记作者Brad Gooch, 史密斯的吉他手Lenny Kaye。Biesenbach近日在两处办公，一个是MoMA,担任策展人，另一个是在P.S.1，接替Alanna Heiss任总监。新工作上任后，他将做一些改变么？他说：“当然，你觉得我应该做什么呢？”他问。

接下来的三个晚上，都比较安静。周四，Mary Boone第五大道的空间举行了后极简主义明星Keith Sonnier的展览，他进来创作大小不一的霓虹雕塑，大到一幢政府大楼，小到可以挂在一间衣柜了。开幕展吸引了很多资深人士，比如Barry Le Va, Joe Zucker，策展人、画廊曾经的指导人Klaus Kertess。他说：“展览非常不错。”他应该知道，这其中他功劳不小。

接着是William Eggleston在Cheim & Read的开幕，艺术经纪人Howard Read告诉他：“我们今晚卖了七张图片。”这位面无表情的摄影师，在后屋签名，拥挤之中，一只戴着皮手套的手上还夹着香烟。电影人、Eggleston信托会总监Cotty Chubb，则在疏导着拥挤的人群，而摄影师Terry Richardson则在拍摄着眼前的一切，他说：“我的视线可离不开他，他是我见过最优雅的人。”

晚宴中，Eggleston坐在了藏家Sondra Gilman和Elisabeth Sussman之间，后者是惠特尼博物馆近期的Eggleston回顾展的策展人（下月在芝加哥艺术学院开幕）。将近午夜，Gilman回家了，Juergen Teller来到了她的位置上，回忆起了他和Eggleston做哥们时二人结伴拍照的一次经历。Eggleston说：“我们从不拿出相机来。一起度过了非常开心的时光。”

周五晚又回到了切尔西，艺术经纪人Tim Nye在David Zwirner画廊答谢Christophe de Menil, 迪亚总监Philippe Vergne。 活动是《原初氛围：1960-1970的加州作品展》（“Primary Atmospheres: Works from California 1960–1970”），Nye非常喜欢Robert Irwin，他与Zwirner总监Kristine Bell一起组织了这场活动。

不过，令人讶异的是，Irwins的作品在不熟悉的灯光和空间中，并不出彩，当晚的赢家应该是那些不太出名的艺术家的作品，如DeWain Valentine, Laddie John Dill, Helen Pashgian, Craig Kauffman。Nye说到长期被纽约忽视的这种艺术，表示：“用这种作品，我可以做三十场。但很多作品还在艺术家的手里。”

在ZieherSmith画廊的墙上，一千六百张独特的卡片在此展览，这些是视觉AIDS年度的《来自边缘的贺卡》的慈善预展，肌肉发动的异装癖在吧台忙碌着，出售着奖券。从那里，我去了Bortolami画廊，Brit Peter Peri在此举办首场纽约展，而Les Roger在Leo Koening展出的则是棕色调风景画展。

虽然艺术之外的世界里，都是些不好的消息，但是，在Izakaya Ten之角画廊为Daniels举办的晚宴中，人们依然保持高涨情绪。在我的桌边，Daniels和他的女朋友、艺术家Lisa Penny，与策展人Matthew Higgs和João Ribas坐在一起，大家聊起了偶像级音乐人、画家、作家Billy Childish，展览Jersey Shore，住在Hackney的三万艺术家，聊到Jeffrey Deitch即将赴洛杉矶当代艺术馆任职等话题。

周六，我觉得，艺术如今并不像冰冷的街头那般死气沉沉，下定决心，出去热闹热闹，暖和一下。Sharon Hayes在X Initiative表演，这将成为即将到来的惠特尼双年展的录像装置的一部分。Jerry Saltz呢，如他自己所言，正在Andrew Kreps“打发时间”。装饰艺术家Virgil Marti则在他在Elizabeth Dee画廊的开幕中忙碌。

Omer Fast在Postmasters的双频录像展近期的知名度为他赢得了大批的观众，人们坐在黑屋里，一直在看，大家很满意地进去，坐着观看屏幕上的自杀式爆炸。没有什么生意能跟作秀生意一样了，当然，除非那是艺术买卖。二者是不一样的。

— 文/ Linda Yablonsky

时间线索 [广州]

2009.12.26

今年方力钧已举办了三个大型回顾展，继德国和台北个展之后，12月11日大型文献展“方力钧：时间线索”在广东美术馆开幕，此次展览由广东美术馆和今日美术馆主办，阿拉里奥（北京）协办，郭晓彦策划。

历史是展览的主要线索，其中包括了艺术家的个人史、50年代后的艺术史和社会史，策划团队试图以这三条时间线索立体地塑造一个当代成功艺术家的历程。

和前面的两个个展不同，本次展览看不到太多方力钧的原作而是侧重文献资料的展示。从展览中大量的创作手稿、笔记和整个学艺生涯的资料来看，方力钧懂得小心翼翼保存和经营自己的艺术作品。文献展示了方力钧从少年时期开始的学艺生涯至今的图像和文字资料，包括艺术家本人的素描、色彩、速写、创作手稿、创作素材等等，此外他还搜集了学习期间对他有影响老师、同学的作品，在他看来，成功并不是那么必然，所以每一个经历细节都值得在回顾中展中间展示。少有艺术家可以这么完整的保存关于自己的全部资料，方力钧称自己在整理资料的过程是幸运的，资料的保存得到了很多人的帮助，并且在90年代就有了自己的工作室和助手。颇受外界质疑的是，大型的回顾展的目的，到底是有意要展示成功艺术家作为普通个体的生活点滴，还是急于总结艺术家的历程从而夸大他的艺术成就，但无论哪个观点都无法抹杀展览作为当代艺术家个案研究的重要意义。

方力钧的作品体现出整体统一的特征，从他大学毕业开始创作的光头形象到近期的水和天空，如果说艺术家的成功在于创造了一种属于自己的个人语言，那更难能可贵的是他可以在二十年间保持大的方向不变，同时又持续不断的对该语言进行微调从而产生更多的可能性。这是一种有智慧的策略行为，也许和方力钧的工作方式有关，他称自己通常同时开始画一批画，即使其中某一张画失败了，也不至于感到太大的挫败感，另一侧面可以想到同时创作一批画，其风格不可能非常迥异，这种方式更有利于观察和控制作品的整体风格。

也许是做了父亲的原因，方力钧的作品正逐步远离“泼皮”、“玩世现实主义”，作品中多了一些小孩的形象。“生命”作为主题也在他的艺术中占有越来越重的分量，展厅中间的廊道展示了他2000年后的新作，包括大幅油画、雕塑，其雕塑作品尝试把生命量化，将人从出生至死亡的历程以刻度标识出来，作品已经不再是原来那样有明确的社会针对性，关于新生和死亡，以黄专的总结就是，带着某种浪漫主义色彩的表达。

研讨会的主题是“全球语境下的当代艺术判断”，事实上大家讨论的还是中国近三十年的当代艺术史如何书写的问题。黄专从年鉴学派开始谈到方力钧的绘画经验，认为对中国当代艺术进行定义还得从一个更长的时间段考察，并且重点在于思想史的总结，而不是以某几个历史事件作为分界。展览的学术主持吕澎并没有直接对方力钧的艺术作品做出判断，他认为本次文献展的目的就是叙述一个人的故事，重点是交代故事发生的所有背景，剩下的就交由观众去阅读和思考。

借着文献展的机会，北京大学视觉与图像研究中心的滕宇宁和朱青生介绍了他们的现当代艺术档案整理项目，他们认为，文献的意义在于，作为一份材料被有需要的研究人员使用，仅此而已，而在中国文献常被视为可占据的资源，这个观念顽固不化，导致很多学术研究不能正常展开，如何让文献成为真正的公共资源，是一个不断努力的目标。这可以从另一个角度理解展览，文献展提供给的就是一份原始的材料，每个人都可以研究出不同的方力钧。

— 文/ 吴建儒

Santigold级别 [迈阿密]

2009.12.05

纽约拍卖之后，众人期待今年的迈阿密能成就一次最颓废也是最奢靡的辉煌：大减价加上海滩边的性手枪乐队的诱惑，令人们无法不去这样想。但不尽然，开始的两天，是一些低调的晚宴和“私人性”的社交派对。UBS取消了每年一度的海岸边的表演；性手枪的演出成为了媒体兜售新闻的流言。佳士得的Amy Cappellazzo，是佛罗里达人，在开幕上，回忆起了从前的艺术派对，“桔子奶酪，凯尔饼干，便宜的酒。”环视一下四周，即使是后繁华时代的迈阿密，还是有着一定的档次。当然，一阵天都是随手可得的龙虾和Iggy Pop。

NADA博览会以往的预览向后推迟了，所以周二晚上变成了第五届设计迈阿密展览。今年第一个大惊奇是邻近的停车场。博览会附近严重的交通堵塞成为去年最大的盛景，但是今年呢，进出相当容易，简直令人难以置信。里面的人群，与之相伴的是迷人的艺术品，有年度设计师Maarten Baas的超现实主义作品和新的It Boy Max Lamb的泡沫塑料家具。设计与艺术之间陈旧的界限变得不那么重要了，但还有人要维护这种界限。“艺术可以是设计，但设计不能是艺术。”跨领域的艺术家Ben Jones说，今年他在设计/迈阿密亦有作品展出。不过一个旁观者说得挺对：“在这里，你可以两者都碰。”

从设计迈阿密出来，我们来到了Terence Riley和John Bennett的地盘，这里介于Philip Johnson的迎宾厅和David Hockney的作品之间。他们在这里庆祝Antoine Vigne的书Le Corbusier in His Own Words的发布。很早就认识Riley的Bill Arning到了之后就开始狂拍。派对有些小，但也很别致，很舒服，连Calvin Klein都过来呆了一会，拿了一本书，巡视了一下四处的收藏。主卧体现了个人强烈的喜好：带有Tom Sachs色彩的小单间，向他在MoMA的任职致敬，里面是给Riley的旧的电话留言条和一个打火机（没准哪天用打火机烧了它们）。

虽然没有大量活动，但要做的也不少，我们不得不挑一挑去哪儿好，是去Emmanuel Perrotin的自助餐会呢，还是去迈阿密MoCA的《现实主义的到达》的开幕酒会呢，或是去在Mondrian的巴塞尔欢迎会呢？结果，我们却选择了另一个节目：Rubell家庭收藏的“Beg Borrow and Steal”预览。大家似乎想法都一致。与藏家Adam Lindemann 和Amalia Dayan并肩的是公共艺术创作者Nicholas Baume，Anne Pasternak，艺术家艾未未，Karl Haendel和 Ingar Dragset。艺术巴塞尔的联合总监Marc Spiegler也过来了。楼上是Cady Noland Budweiser的装置。我跟着Clarissa Dalrymple,她自己正跟随着安迪•沃霍尔。Mera Rubell如游魂般戴着黑色爆炸假发走来走去，说：“如果你不去做你想做的，它又怎么值得做呢？”

Venetian长堤的吊桥坏了，所以我们来迟了，Palu Kasmin在Standard为设计师Mattia Bonetti举办了晚宴。我们到了那儿，看到了一些闲逛的人，扫了一眼菜单。一些裸泳者在池子里玩；一些胆儿大的去了Fontainbleau很多派对中的一个。嗯，这晚上也就不过如此。

第二日早，盛大的博览会开幕。我去了新闻发布会，想弄点咖啡喝喝，不过他们只有香槟。是PR们想出来的主意么？门口等着12点开始的预览的队伍，并没往年人那么多。MoMA的董事Eileen Cohen溜到了前边；藏家Eileen Cohen没她那么着急，但也不甘落后。冲进门后，人们开始干正事了，很快大伙就冲散了。今年，ABMB尽力保持既宽敞又集中的方式，一个屋檐下，项目多重多样，空间也从385，000平方英尺扩大到500，000英尺（在走廊处加了五个心展厅）。有时能看见，一些画廊家孤单地坐在自己的展厅内，唉，博览会有时真是一个最孤单的地方啊。

作品至少看着不错，在周围转悠的藏家们似乎有买的意思。Jorge Pardo设计了一个吸引人眼球的展台。Wallspace则呈现了一堆Walead Beshty铜盒子，看起来还不错。Gillian Wearing重画了Robert Mapplethorpe80年代晚期的几年肖像也获得了赞赏。Shaun Caley Regen说：“我告诉她应该用长鞭重新画肖像，”Shaun Caley Regen说，“不过可能需要一件长的紧身衣裤。”

很多人都在谈论Gmurzynska的展位，因为当天早上的事件：美国警官出现，法律诉讼，以及六百万油画的没收。整个故事似乎是个谬传，直到细节在《艺术新闻》上公布后，大家才知真相。当天下午，画廊为Sylvester Stallone组织了一个非正式的新闻发布会。半天下来，这个演员至少有两件作品售出：Childless #1（2009）和Trapped Ideals（1997）。

最显眼的是Christian Haye画廊那空荡荡的展厅。一个艺术经纪人说：“我以为他们要花时间布置他们的展厅呢，但不是这样，他们根本没出现。”楼上，博览会的组织者允许Sies + Höke画廊免费占据这里（暂时的），这里摆放的是Kris Martin名为 Lost的大装置。

“超级新秀”终于不见了，那是博览会最接近红灯区的地儿，在那里，画廊家们不得不整天都站在开放的小小展厅里。六十四家画廊挤在博览会的北边，其中有暴发户画廊如Breeder和迪拜的第三条线。后者的主人Sunny Rahbar说：“我准备发名片，这样人们就不问我老家在哪里了，我告诉人们迪拜会好的，所以，买点艺术品吧。”

沙滩上饱受欢迎的Art Containers也不见了，也就是说，在博览会9点结束和“艺术爱音乐”活动之间没什么补缺的活动了。很多人去了别的派对：Stallone的晚宴，Bruce High Quality Foundation基金的表演，Jumex收藏在Bass博物馆的招待会，AnOther Magazine的晚会，为Teresita Fernandez, ForYourArt, 和Cartier的鸡尾酒会。

其他人（我自己在内）从这些活动小小休息了一下。最好玩的是Deitch Projects,艺术创作基金和Campari 在Raleigh的音乐会。今年是Santigold很棒的音乐表演。设计师Jeremy Scott在舞台附近浑身是汗，行将结束时，即使是藏家Eli Broad也跳起来，举起了双手：“今年，我去了一些派对，有的很傻，有的不错。”Norman Rosenthal说。

— 文/ David Velasco

在革命的中间 [北京]

2009.11.23

2009年11月15日，《中坚——新世纪中国艺术的八个关键形象》群展在尤伦斯当代艺术中心（UCCA）开幕。

这个具有预言和“加冕”性质的标题，以某种故意为之的挑衅态度，迅速成为圈中热议的话题。没有入选的人拿“中坚”一词开玩笑，选中的人一遍遍被媒体问到同样的问题：“你觉得‘中坚’意味着什么？

储云说：“我觉得是一种认可，但这并不代表什么。”徐震笑而回答：“很好啊，‘中坚’会成为别人的学习对象、讽刺对象、竞争对象。”郑国谷有点无奈：“我们刚好在中间，被他们选中，变成了‘中坚’。”邱志杰则表示：“‘中坚’要坚一点才好啊，如果‘中坚’这些人都不坚的话，那上面和下面不就更疲软了吗？”

这个以代际划分的展览，策划方式有点像今年上半年纽约新美术馆举办的《比耶稣还年轻的一代》群展——来自２５个国家共５０位艺术家，均小于耶稣被钉上十字架的年龄：33岁。《中坚》展的两位艺术家曹斐、储云，正巧也参加了那个展览。

《中坚》这个展览当然也可以被叫做《70‘后》或《比王小波还年轻的一代》（他享年45岁）。“最老”的参展艺术家邱志杰生于1969年，开展前不久刚度过他的四十岁生日。由于历史原因，在中国大陆，六十年代和七十年代生人通常被视为价值观和行为方式不同的两代人。《中坚》开幕前两天，爆出邱志杰当选官方新成立的机构——中国当代艺术院最年轻的院士的新闻，这毫不令人奇怪。因为他正好站在两代人的交界，向左或向右，都可以逢圆。

这个明星阵容的展览的赞助商是LVMH集团，他们有一个很长的名字：“酩悦•轩尼诗•路易威登集团”。去年，UCCA与之签订了一个为期三年的合同，LVMH每年会从UCCA提供的三到四个重要展览策划案中，选取一个来资助。这个展览由于没有加入品牌产品，比起去年，同样是11月15日开幕的“DIOR与中国艺术家”展览，更加纯粹，更加学术。

在风雨飘摇中度过了“两周岁”生日的UCCA，与其说想借助此次群展梳理一遍70‘后艺术家群体，占卜下一位巨星或大师，不如说想通过这次展览大声宣布：“我们还在这儿！我们还没有走！”

储云的作品是第一次在北京集中展示。观众一走进门口，就经过了他的三件作品：挂在门外的彩旗《说不出的快乐II》、门厅的花坛《创作一件杰作》和前台下方的盛着幸运星的木箱，虽然他们未必察觉得到。花坛的样式和每年国庆天安门前“万众一心”的花坛造型一致，只是文字从一句公共口号换成了一个私人命题。储云的第四件作品，著名的《星群》在一个封闭的黑暗空间内闪烁，寂寞而魅惑。与此同时，《创作一件杰作》和《星群》正各自在法兰克福的Portikus储云个展和第53届威尼斯双年展主题馆上展出。

彭禹拒绝告诉我“扫帚”和“烟圈”分别是他们两人谁的创意，这并不能阻止我对这件作品发生生殖象征的联想。在收藏家张锐客厅的转角站立了很久也惊吓了很多前往盥洗室的客人的四位老年“披头士”，被搬到了这里。在刘韡的狗咬胶作品《世界之墙》四周，是他的绘画新作，标题则是信手拈来的人民币的编号。他说这样比较方便，在归档的时候，把画的图片和人民币对照存放，便一目了然。

主展厅的一端，奔腾不息是邱志杰的墨汁瀑布《我所忘掉了的所有人》，它对观众的呼吸道、展厅的墙面和其他作品起到了灾难性的影响，而且让人产生他的个展尚未结束的错觉。主展厅另一端是郑国谷的装置《帝国感应篇》，本意是当观众从四面八方进入这个模拟园林，在中心能感受到一种奇观，配上鱼在吃东西发出的声音，产生一种奇幻的感觉。这个微弱声音自然是被瀑布的巨响所淹没了。

最年轻的参展艺术家，2010年Hugo Boss候选艺术家，曹斐带来录像装置《人民城寨的诞生》，投影藏身在一座三维的“山”模型内。维他命的两位艺术家，郑国谷和曹斐都醉心于建设“房地产”。郑国谷在阳江营造了近十年的三万多平方米的“帝国时代”项目，今次被浓缩成了一个两百来平方米、由一些雕出来的石头、八张画和四个投影组成的空间装置。两年来，曹斐则忙于在“第二人生”的虚拟世界里建立她的帝国。由于场地所限，此次展出的效果似乎不如曹斐在东京资生堂画廊的个展。

MadeIn的作品《看见就是障碍》，这件以彩色有机玻璃线条制成的立体公司业绩表，斜着将展厅从中部切割成两半。它和一旁的刘韡作品气质如此协调，以至于UCCA的工作人员都搞错了：在前者的标题下面打印着后者的作品说明。开幕当天，徐震对某艺术家开玩笑：“这个作品是刘韡的。”该艺术家信以为真，向刘韡坦言：“你这个作品太差了！”

杨福东所有的作品，我几乎都是在他们家的电脑上看的。那些多屏的录像，是一张一张碟推进推出来看的。这次是第一次置身在现场，被九幅黑白画面所环绕，电影机哒哒地走着。观赏他的电影，是一段中魔的时间。这个人是真正钟情电影的。这一信息突然击中了我，让我感动。

四九年之后断掉的费穆的那口气，在杨福东的展厅里，又被续上了。田壮壮的翻拍版《小城之春》，远不如杨的《离信之雾》更自骨子里散发三、四十年代旧中国电影的气息，那是一种自律的风骚，带着一点颓和惘然，飘忽迷离。在黑暗的空间，声光电影流转，如此奇异的体验，像在博物馆看着木乃伊复活，并优美地重拾旧日舞步。

除了没顶公司，这八位/组艺术家之中恐怕没有一个人在为市场做作品。我更倾向于将没顶公司整个的企业生涯，看成是徐震的一个作品。

在UCCA二楼的开幕晚宴上，同桌的一位荷兰收藏家讲了一晚上她所收藏的中国当代油画，那些对她来说拗口的名字一个个在餐桌上空飞翔：曾梵志、岳敏君、方力钧、曾浩等等。在今晚之前，《中坚》的参展艺术家她一个也没听说过。看来尤伦斯这个展览对于扩大收藏家的知识面是很有必要的。

这些艺术家是夹在中间的力量，承上启下，可上可下，或者不上不下。也许，这一辈艺术家步向舞台中心的时候到了，但他们各自在美术史上占据的篇幅和作用还不清晰。这个展览充满着“革命尚未成功，同志仍需努力”的气息。

— 文/ 任兰

苏富比当代艺术夜场拍卖 [纽约]

2009.11.16

周三苏富比当代艺术夜拍场外的大街上，收藏家Alberto Mugrabi告诉我，安迪•沃霍尔1962年极为少见的丝网版画的《200 One Dollar Bills》将会卖到四千万美元。我猜这不过是拍卖前的一个花招，或者是一个期待的想法而已，因为他本人拥有八百件沃霍尔的作品。我不禁想起了“卖谣言”这个词儿。

在拍卖场中，《200 One Dollar Bills》挂在了左边，恰好在苏富比欧洲专家们的头顶上。在拍卖行的首席拍卖师Tobias Meyer身后，是沃霍尔1965年开始画的自画像，艺术家将他的手指放在嘴边上，将一个思想者的姿态变成了一种羞涩的引诱。

四千万美元将是沃霍尔的作品在拍卖场的第二高价格，超过了出售中的Brandos, Lizes, Maos，仅次于2007年以7，100万美元卖给Philippe Niarchos的《Green Car Crash》。苏富比的Cheyenne Westphal说：“这一季都是美元支票。”而城内的艺术经纪人Per Skarstedt “这是本周唯一真正的杰作。”“是波普，极简，观念。一切从一开始就在那儿，”Thomas Ammann画廊的Georg Frei说。实际上，沃霍尔并不是为名声所迷，他喜欢的是一种无处不在的普遍性。那么，什么比美元更能遍布四处呢？

直到拍卖前的那天，“很牛的私人”委托者的身份还是一个秘密，之后有话传出来，此人是Pauline Karpidas,一位藏家，艺术世界的大亨，以在希腊伊德拉岛的夏季项目而著称。尽管她交际甚广，但这幅画的出处还是让一些内行人迷惑，因为它悬挂在她逝去的丈夫蒂诺在雅典的公寓里。1986年，Karpidas为这幅画作支付了38.5万美金，这是艺术家在世时，作品拍卖出的最高价格。

Meyer以六百万美元的《200 One Dollar Bills》开场。苏富比的专家Alex Rotter站在Meyer的左边，突然举手大喊“一千二百万，”这一举动令大家吃惊。过道上的艺术顾问Philippe Ségalot又提出了一千三百万。黎巴嫩的藏家Abdallah Chatila和Jose Mugrabi，坐在Alberto身边，戴着棒球帽，身着紫色汗衫，随之也加入进来。价格以百万上升，几乎很难分清是哪儿在喊价。当竞价达到三千万时，苏富比的Loic Gouzer和Bruno Vinciguerra有获胜的希望，在三千四百万时，速度慢下来。Meyer说：“我们要再试一次吗？看起来真棒！”Mugrabi咬咬牙，喊出三千五百万，Gouzer以三千六百万回击。结果，Vinciguerra以匿名电话的竞标方式，以三千九百万（加上佣金四千三百七十万）将画作收入囊中。Meyer说：“有点过，但我还觉得是不错的交易。”幻想狂们猜测，最后的战争是在Niarchos和卡塔尔的一位皇族成员之间展开。

紧接着又是这位波普大师的另两件作品：一幅画上面是卷起的美元，1962年创作，拉瑞•高古轩以610万美元买走。另一幅的委托人是Cathy Naso,当她在Factory做前台时，沃霍尔把这件作品给了她。拍卖后，Naso说：“安迪让我出名了十五分钟啊，十五分钟的出名足够了。”

五十五件拍品，取得很成功的结果，最后共拍得1亿3千4百零4万美元。七件作品超出了五百万美元。二十件拍品来自俄亥俄的藏家Mary和Louis Myers夫妇。不过有时，好生意也很无聊。黑色粗野的战后画作和雕塑，也是庸常品味的展示，但是，苏富比几乎将所有的拍品都卖掉，似乎显示出这些作品以大众性的魅力而变得不朽起来。

还有一些作品再次拿出来，给人以耳目一新的当代感，如Alice Neel的《Jackie Curtis and Rita Red》，画的是一个1970年的著名易装癖和她的男友。最后拍得165万美元，是最高估价的三倍。Victoria Miro画廊的总监Glenn Scott Wright认为：“双人肖像很少见。而且其中的一个模特还是沃霍尔圈子里的。”这幅画被克利夫兰艺术馆购买，将与Neel的回顾展一起，在休斯顿美术馆、伦敦的白立方画廊、瑞典的现代艺术馆展出。美国战后最重要的肖像画家之一的世界巡展，可以说来得很是时候。

— 文/ Sarah Thornton

思想的盛会 [深圳]

2009.11.06

“国家遗产——一项关于视觉政治史的研究”这一项目历经了两年的准备，于10月17日从英国曼彻斯特移师深圳OCT当代艺术中心。该展览是由黄专和英国音乐家、艺术家、策展人约翰•海雅特主持，何香凝美术馆OCT当代艺术中心和英国曼彻斯特都会大学艺术设计创新研究院共同开发的文化视觉史研究项目。

如果说黄专策划的展览其思想的丰富性远远超过展览视觉效果一点都不过分，他的展览几乎每次都有一本厚厚的出版物，一个或多或少带着半公开性质的学术研讨会。这次的展览主题明显带着研究的色彩，“国家遗产”一词远远超出了视觉艺术展览需要呈现的内涵，而是带着对中国近百年来的思想进程的反思，试图借助艺术的方式整理和重构国家的思想遗产。

一边看着这次的出版物《State Legacy》，一边看展厅中的展览，总体的感觉是展览中可看的部分并不多，如果不事先阅读文献，根本无法理解所有作品的思路及意义。文献集分为帝国与国家、一个多维的现代化模式、视觉政治神话三部分，每一部分又由学者专论、历史资料和艺术家方案三部分组成。整个项目没有一条很明显的线索，专论、作品方案和历史资料互相之间既有关联又互不从属，到处是充满想象的论述。在前期的一个研讨会上，黄专、巫鸿等人曾经为了展览名称叫“视觉遗产”还是“国家遗产”有过一番讨论，无论如何，只有对“遗产”一词非常肯定，由于它既可以是精神的也可以是物质的，暗示着现在与过去的联系。艺术家的作品分量在项目中显得并不那么重要，这点与所有当代艺术展览都不一样，黄专在研讨会上说：“实际上五位艺术家在展览中，牺牲了非常多的东西，一个是牺牲了自己作品的完整性，第二个是牺牲了作品的上下文。”

主厅中间是卢昊作品《复制的记忆》，卢昊的方案收在“帝国与国家”部分，里面还收录了关于北京城门的历史资料作为阅读背景。他在巨大的北京市灯箱地图上面用有机玻璃复制了北京的九个城门，作品选取的材料呈现出粗糙的现代工业感，与古建筑本身该具备的历史积淀感形成强烈的对比，让人怎么看也觉得不是很舒服。隋建国对自己的作品定义是“用时间和空间的做影像的雕塑”，十三个投影分别打在四面墙上，画面循环播放着火车经过的场景，每个场景大约每四分钟就有火车经过，十三个影像连接起来就像火车环绕着卢昊制作的北京城在跑。汪建伟的作品《观礼台》原本是一个文本方案，他将天安门外曾经存在的观礼台重新发掘，包括观礼台的设计者以及观礼台曾经被使用过的时间段等细节在文献中展示，这些丰富的细节包含的政治含义，在这次展出中他把观礼台的结构还原在展厅中，这时光溜溜的铁架子并没有任何观赏性同时也失去了作为观礼台的功能。王广义的作品保持着一贯对中国政治意识形态的敏感性，他用铁铸了汽车“东风•金龙”，事实是，这部汽车是中国制造的第一部汽车，毛泽东曾经象征性的坐过一次，是“红旗”汽车的前身。当然复制“东风•金龙”可以带出来一连串关于中国汽车工业和民族梦想的讨论，王广义自己认为：“用铸铁的方式还原《东风•金龙》，使其具有一种博物馆化的感觉，它包含了历史的沉重感——一个民族要成长的强大欲望，或者是欲望的多重性。”曾力是长期关注和拍摄中国大型工业场景的摄影师，他的作品《水城钢铁厂》直接成为项目的视觉档案的一部分，黄专也说：“现在看到曾力的作品显然不是真正的作品，而是文献使用的状况。”

项目的另一个重头戏是开幕第二天的研讨会，主题是“国家遗产的构成、显现与文化传统”，主持人朱青生，北京大学的视觉研究中心承担了研讨会的学术邀请任务，邀请嘉宾大部分都不是艺术圈里的人，来自不同学术背景的学者参与其中，讨论的范围尤其广泛，从视觉艺术到历史文化，各学科概念和专业术语使人应接不暇。无论是参展的作品方案和研讨会的成果都显示出该项目超越了艺术展览的范畴，视觉材料同时成为历史、文化与艺术之间的纽带。

— 文/ 吴建儒