索尔·勒维特 在 Mass MoCA的展览

当索尔·勒维特（LeWitt）被问道，他是不是“墙画的原创者”时，他这样回答：“我觉得鼻祖应该是那些远古的穴居人。”这是策展人Alicia Legg 为1978年艺术家在纽约现代艺术博物馆举行的回顾展中写下的一段话。去年四月去世的LeWitt,离开人世时78岁，他是一名观念主义大师，创作跨越多个领域，包括立方雕塑到艺术家书籍，其艺术理念强调的是现代主义彻底的非理性化。也许，在他的历史性含义中，最浓烈的表达当属他的墙画。虽然LeWitt更加强调的是“绘画”而非“壁画”，是想避免历史的厚重感，但他对于法国拉斯科洞穴机智的演绎，他对某种丙烯颜料的偏爱，都有意无意地加重了过去的色彩。他早期的一些画作，是对Piero della Francesca湿壁画的研究，他曾经说过，希望自己创作的作品，“即使给乔托（Giotto)看，也不会觉得丢脸。”

勒维特的艺术形是如何成型的，在此就可以被充分地演绎出来。评论家们试图探讨勒维特对于精确以及信仰的兴趣，而他们同时也将艺术家从任何观念性的艺术作品结构中分离出来，在50年代，通常将他看成是为建筑师I.M.Pei服务的一名视觉艺术家。现在，回到艺术家的墙画上，我们发现，这种观点忽略了艺术家在整个70年代的文章里所反复强调的那种具体化作用。墙画强调的是实现性：艺术家，制图师，草图聚集到一起，在一个特殊的地点，因缘际会，从而才产生一件作品。“关于墙画本身的思想是与墙画的思想是相互矛盾的。”1971年，他认为，墙的特征，就在于它是已完成的作品不可分割的一部分：“大多数的墙有洞，有裂缝，凸起，油印，不是水平或者方正的，有各种各样的建筑上所留下来的毛病。”对他而言，墙画是平整的，简单的，直接的，是对宇宙形状的一种描摹，它起先是一种技巧性的书写方案，在一部作品的教化性的题目下，经常被放诸于公共空间上而被描述。此外，还要被安置一阵，最后被粉刷掉。

看墙画的时候，要么只从一个角度去欣赏，要么连贯起来去看，这些画似乎是从勒维特60年代晚期后，所做的众多的艺术家之书中分离出来的。这其中的发展是很明显，他的绘画出自于他在书上的作品，后者也同样体现了对图像式的线条和白色空间相互交融的一种兴趣。事实上，勒维特最先完成墙画，是在纽约的Paula Cooper画廊，这直接源于1968年大家一起合作的观念项目The Xerox Book,在这册书中，六名艺术家接受委托，可随心所欲进行创作。做为其创作的延展－－一系列的影印墨色作品-－艺术家将他的两件设计作品直接用石墨涂到了画廊的墙上。勒维特很清楚地感觉到，在墙画这一崭新的概念中，线条以及可感知的变化多端性似乎成为取之不竭的源泉。不久后他开始使用粉笔，蜡笔，以及水墨。随后，他加入了早期图书中所运用的色调明快的丙烯。一部分这样的作品是极简主义的，它们呈现的是大型的几何图形，另外的一些探讨的则是绘画的基本元素之间的交汇、融合以及更替。许多人反复使用一个线条，直到将一大片形状无序地具体化。他的那些最饱满的作品，起先只是柔和的线条，接着以浓墨重彩，迅速铺满整个墙。 逻辑与教化妥协于狂放甚至奇思异想， 这些画以其荒谬性对过度理性化进行了回绝。我们于是沉迷于视觉的想像力。正如勒维特所说：“人们只能在墙上看到线条. 它们都是无意义的，而这就是艺术。”

当意识到这种个人化视野的独特性后，他放手将制作的手法交给他人，勒维特想像的是，做为与墙面的一种崭新的“对话”，每个不同的诠释者对此的体验都是不一样的：“制图者开始感觉无聊，随后，通过这种无意义的活动，开始发现了一种平静或者痛苦。”在Mass MoCA, 那些即将因为实现这些画作而获得这种体验的人们（这种体验因艺术家过世后，而具有了崭新的重要性），是二十四名与勒维特工作的助手，是来自耶鲁，威廉姆斯，马萨诸塞自由艺术学院以及世界各地的学生和校友们。勒维特革命性的创作所衍生出来的潜能和力量将直接被完成这些墙画的人们以及来此观看的人们所领略体验到。

对于这些里程碑式的跨越四分之一个世纪的作品的最佳评判，当来自勒维特本人的阐述：“墙画是一种永久性的装置，直到它被毁坏掉。一旦某些东西完成了，它就不得不结束。”对此，我们满怀期待并心存感激。

索尔·勒维特墙画回顾展 11月16日在Mass MoCA开幕。

作者Prudence Peiffer 是马萨诸赛Cambridge的艺术史学家。

文／ Prudence Peiffer

译／ 王丹华