Tara Donovan

“九十年代中，塔拉·多娜文(Tara Donovan)在她的工作室进行实验时，碰倒了一大盒牙签，捡起来后，发现掉出来的那些，形成了一个形状，这个形状与牙签盒的一角相称，于是，艺术家灵机一动，有了主意。”这是Jen Mergel和Nicholas Baume为他们策划的Donovan在ICA举行的展览画册中，内文开头的一句话，由此可见，工作室的小插曲，纯粹是偶然。接着，艺术家找出了大约50万支牙签，她成功地将它们从地面开始，一点点堆积成一个庞大而独立的立方体，就好像人们做沙堡一样。从那时起，《未命名（牙签）》（1996）成为了她雕塑创作中具有标志性的一个原点，从此也发展形成了Donovan所称的“场地回应”形式。相关的作品有《未命名（针）》（2004），《未命名（玻璃）》（2004），在Donovan首次的博物馆纵览中，观众不仅可看到过去十年里创作的15件作品，另外还有一件专门为ICA展览设计的新作品。

通过不起眼的牙签逻辑，大家很快从展览中看出了Donovan的创作工序：她使用笔直的、大量生产的物体做为塑造主题，通过她个人化的讲述，“重塑”这些物体“被设定的命运”，将这些物件搭配成具有标准尺寸的几何形；在这些相同的物品中，她为彼此创造出新的关系；以完美的技巧，从视觉上，将这些难以改变的物体套在一起或者打乱。总之，她运用的是大量的具有某种形状的物品，通过实际操作（比如，滚动，堆积，集合，粘附，安置）塑造它们。

对于数量的强调（在数量上我认为是过度的，毫无节制的），自有其含义所在。对于Donovan而言，它暗示的主题是过度的丰裕、消费的浪费、城市的扩大和无限制的病毒性网络，这是当然的。而对于她的评论者们，尤其是大多数的画廊观众而言，至少据我所知，他们觉得，大量的杯子，纽扣，或者胶带，这些物件，数量上的庞大夸张只是为了产生惊人的效果。就像一个冗长乏味的存活清单一样：《未命名（塑料杯）》（2006/2008）中是上百万的杯子，塑料平底杯高高低低堆积着；在《未命名》（2008）中，成千上万英尺的胶片，犹如画廊墙上的一扇千变万化的窗。在向极简主义一个接一个系列的致敬时，Donovan有意表明，这些物品的排列，摇摇欲坠，似乎随时都能倒塌。2003年的《薄雾》，是一件由透明吸管组成的巨大装置，放在纽约的Ace画廊，结果真的塌了，当然与Richard Serra的环形铅体的倒塌还是截然不同的，尽管这些东西清理起来更加乱套。Donovan的作品创作方式，似乎在有意招致毁灭。

实际上，要是说规模很重要的话，那么，艺术家从这些堆积的艺术品中所营造出的不可计量的那种美丽，也同样很重要。展览中最新的作品《未命名》中，上千英尺的胶片卷在一起，附近的水域恰好映照在不那么悦目的棱柱形胶片上。这件作品更多看重的是光，而非建筑构造。我曾听到人们在这件作品发出愉悦的惊叹声，而2002年的《星云》也带来如此效果。在这件作品中，堆积的透明胶带在画廊地板上向周遭散开。从上往下看，空隙之间的空间很明显，但要是从非直角的角度斜着看去，就会觉得模模糊糊，像变形了的地图。尽管这件作品花了很长时间创作，布置，试图将手法技巧主题化，有迹可循，但最终看上去却有些离题了。这种构造方式，只不过成为了达到堆积效果的一种必要手段而已，并不具备其它含义。

作品所产生的效果通常被认为是令人吃惊的。ICA的展览表明，Donovan的作品是可接近的，但并不那么容易。部分带有Eva Hesse和Tom Friedman的影子, 艺术家将女性的作品变得家庭化和复杂化；也许，她是从动手构造的结果中去创造乐趣，而非从表面的效果上。也许，对于构造组合的兴趣，正是对美观的一种抗拒——那种可能肤浅而迎合他人的美观被Donovan以数量上的疯狂而抢去了风头。我从Donovan的作品中发现的最大乐趣是：她的这种设置形状的创作，只能容纳自身的投入与执念，自行承受自身的崩塌，自行产生审美性—《薄雾》和其他很多作品试图都给人以动态上的错觉—不流任何余地。

展览在波士顿ICA截止到1月4日；之后来到辛辛那提的当代艺术中心，展期为2月7日到5月11日；6月19日到9月13日在Des Moines艺术中心展出；2009年10月10日到2010年1月16日期间，在圣地亚哥当代艺术馆展出。

作者为伊利诺伊大学艺术史助理教授。

文／ Suzanne Hudson

译／ 王丹华