岗上淑子作品个展

一只戴着白手套的手，将一个小脑袋扔进一个打开的提包里；旁边，一具没有身体的金发美女从街灯柱旁半张着嘴巴向外注视着，好像在说着什么。破晓的曙光，抑或夜晚的灯光，两幢建筑物的黑影之间…这只是岗上淑子十一幅黑白图片拼贴画中的一幕场景而已；每一张都构思巧妙，笼罩着超现实的色彩，好像一幅令人恐惧而又不可思议的活体画。

岗上淑子在1950年到1956年之间创作了这些拼贴画，当时二次世界大战刚刚结束。这些作品里面有《生活》杂志和其它时尚杂志的摄影图片，里面是梦幻般的景色和极具个性的幽默感，以一种相对崭新的艺术语言呈现出来。如今，超现实主义已经沉寂了一段时日，而岗上淑子（Toshiko Okanoue）的作品却具有一种跨越时代的敏锐力，就如当代拼贴画如马尼•韦伯（Marnie Weber）和瓦格西•穆图（Wangechi Mutu）作品的另一位年长而不太知名的嫡亲一样。

1953年，东京的Takemiya画廊为岗上淑子举办了一场女性个展。不久后，她嫁给了画家藤野一友（Fujino Kazutomo），也终止了艺术创作。五十年代早期，是她一生中短暂而多产的一段创作期，半个多世纪里，她的作品几乎没有在公共场合出现过，直到2000年在东京的Dai-Ichi Mutual Insurance South画廊才举办过一场个展。经过了几十年的沉寂，那段时期的创作成果再次出现在人们面前，也应获得它们应有的礼遇，值得我们重新去关注。

展评 CRITICS’ PICKS 2010.04.04

丹尼斯•奥本海姆个展

1969年夏天，丹尼斯•奥本海姆（Dennis Oppenheim）在米兰的Yvon Lambert画廊首次展出了新作品；他行走在城市里的脚步声形成的原声背景，也出现在这场展览中。这件作品促使了奥本海姆从大地艺术转向了更为私密的身体关注。在《Reading Position for Second-Degree Burn, 1970》中，奥本海姆的皮肤通过吸收太阳光线而被“涂”成了红色，这一系列探讨了身体与环境、艺术与生命之间的关系。而这些手法通过当代艺术引起了共鸣---想到当前的环境灾难以及新媒体文化的多重自我，这种共鸣也许比以往更强烈。奥本海姆的创作一直在探索的道路上前进着（从80年代早期，他就已经将建筑和设计融合在大型雕塑和装置中），但这些早期的作品依然具有不可磨灭的影响力，虽然当时的录像作品的影像质量随着时间的推移有些模糊，但比今日的很多录像作品更具活力，对现实的表达更为明晰。

在奥本海姆简单的动作中，人们会发现一种久违的超验般的诗意，比如，他用岩石或树叶或玻璃，盖住自己的手，对身体的所受到的限制产生孩子般的好奇，在《姜饼人剧照》（Stills from Gingerbread Man, 1970–71）中，艺术家吃掉了三个姜饼人，通过对身体和身体内部的摄影图片，记录了饼干的消费和消化过程。这场展览，囊括了从七十年代早期就进行的作品，尤其值得一提的是1970年到1974年完成的一个新的录像作品《牙齿和钉子》（Tooth