1969年夏天，丹尼斯•奥本海姆（Dennis Oppenheim）在米兰的Yvon Lambert画廊首次展出了新作品；他行走在城市里的脚步声形成的原声背景，也出现在这场展览中。这件作品促使了奥本海姆从大地艺术转向了更为私密的身体关注。在《Reading Position for Second-Degree Burn, 1970》中，奥本海姆的皮肤通过吸收太阳光线而被“涂”成了红色，这一系列探讨了身体与环境、艺术与生命之间的关系。而这些手法通过当代艺术引起了共鸣—-想到当前的环境灾难以及新媒体文化的多重自我，这种共鸣也许比以往更强烈。奥本海姆的创作一直在探索的道路上前进着（从80年代早期，他就已经将建筑和设计融合在大型雕塑和装置中），但这些早期的作品依然具有不可磨灭的影响力，虽然当时的录像作品的影像质量随着时间的推移有些模糊，但比今日的很多录像作品更具活力，对现实的表达更为明晰。

在奥本海姆简单的动作中，人们会发现一种久违的超验般的诗意，比如，他用岩石或树叶或玻璃，盖住自己的手，对身体的所受到的限制产生孩子般的好奇，在《姜饼人剧照》（Stills from Gingerbread Man, 1970–71）中，艺术家吃掉了三个姜饼人，通过对身体和身体内部的摄影图片，记录了饼干的消费和消化过程。这场展览，囊括了从七十年代早期就进行的作品，尤其值得一提的是1970年到1974年完成的一个新的录像作品《牙齿和钉子》（Tooth and Nail），对于自身的界限和局限进行了质问，而几十年来，这些问题并未得到解决，反而愈发突出。

文／ Annie Buckley