观点 SLANT
1. “格塔·布拉特苏：幻影” （Geta Brătescu：Apparitions），第57届威尼斯双年展罗马尼亚国家馆，Magda Radu策展.
90岁高龄的布拉特苏同时出现在2017年的威尼斯双年展和卡塞尔文献展当中并不是一个偶然现象，不仅克里斯汀·马塞尔（Christine Macel）策划的主题馆呈现出某种东欧当代艺术的“回潮”，波兰裔的亚当·希姆奇克（Adam Szymczyk）亦将对欧洲中心主义的反思与后冷战时期的东欧当代艺术联系起来。如何将野心勃勃的国家主义隐藏在一针见血的艺术家选择和机智到位的策展策略之后，正是历届威尼斯国家馆之争的实质。与赢尽大众口碑的德国国家馆相比，罗马尼亚国家馆的布拉特苏个展可谓一种更为踏实的做法。展览通过对布拉特苏的主要作品和系列进行完整立体的回顾，并围绕“艺术家工作室”和“女性主体性”这两个极具普世性的主题，从个体的角度回应了“艺术万岁”的威尼斯主题馆概念，亦将这位可能淹没于卡塞尔大型群展效应中的罗马尼亚女先锋拉到了前台，其声明简单且直接：罗马尼亚原生的现代主义及观念主义并不逊色于任何以巴黎或纽约为中心的20世纪艺术运动，布拉特苏本身就是中心。
2. “直觉”（Intuition），威尼斯佛图尼宫（Palazzo Fortuny），Axel Vervoordt和Daniela Ferretti策展.
虽然接近200人的艺术家名单以西方白人男性艺术家为主，并这不妨碍“直觉”以不依赖文本诠释的混合年代展的方式，在展览类型学中胜出。同届威尼斯双年展的外围项目普拉达基金会举办的“船在漏水，船长在撒谎”（The Boat is Leaking，The Captain Lie，Prada Foundation）显然在方方面面更符合当代艺术圈的知识分子趣味，但这个位于曾属佩萨罗家族的哥特式建筑中的展览，却可能令这些疲于奔命的专业观众重拾水晶宫和珍宝柜时期天真的心态。这是集艺术商人、古董专家和名人室内设计师等头衔于一身的Axel Vervoordt在佛图尼宫策划的第六个展览，也是该系列展览中的最后一个。正如展览标题所示，策展人强调艺术家和作品之间的“直觉”关系，密集陈列的“现代主义大师”作品并不显得互相挤兑，一种萨满式的精神能量在空间中流动。更具争议的是，室内设计出身的Vervoordt完全不在乎将艺术品作为衬托空间环境和展览氛围的道具，这与意大利艺术奢华颓废的传统一脉相承，甚至可以在卡洛琳•克里斯托弗-巴卡尔吉夫（Carolyn Christov-Bakargiev）策划的第13届卡塞尔文献展上找到其更为当代的对应版本。
3. “兰卡·克罗多瓦：有尊重才有爱”（Lenka Klodová: First respect, then love），布拉格当代艺术中心（Futura），Michal Novotný策展.
2017年是女性主体觉醒的一年，不同行业中蔓延的反性骚扰运动裹挟着真假难辨的政治正确和道德主义立场，使得女权主义真正成了为了一个大部分人无法回避的全球话题。“有尊重才有爱”是1969年出身的兰卡·克罗多瓦在捷克当代艺术机构中的首次回顾展，艺术家在Futura迷宫般的、结构裸露的地下层空间中奔跑、攀爬、跳跃和打滚，充分展示了女性身体的种种社会和自然状态，以及女性在工作和情爱中被消费的、康复中的和精疲力竭的复杂情状。与早期身体艺术的自残性质相反，克罗多瓦充满活力和快感地拥抱女性的自我反讽和色情欲望，她邀请了一些不知名的女性，描画自己家中的性爱地图，并亲自将这些地图重新放大到Futura的墙体上（《给我画一张你家的平面图并标出你做爱的地方》，Draw me a plan of your place and mark places where you made love in it，2009），这些地图朴素、幽默、坦率，可能令最坚定的反女权主义者会心一笑。
4. “不合时宜者：现代性的散佚之页”（“Misfits”: Pages from a loose-leaf modernity），柏林世界文化宫（HKW），David Teh策展.
随着西方博物馆争相拓展现代艺术的宇宙，并将藏品以“全球化”的形象加以改造，亚洲一个世纪的世界艺术（global art）仍然等待着一部世界性的艺术史。展览“不合时宜者：现代性的散佚之页”由三位艺术家的艺术作品和档案资料组成，分别是泰国艺术家、诗人唐昌，缅甸现代主义者昂索拜吉以及菲律宾漫画家和电影制作人罗克思·李，他们尚未被纳入主流艺术的历史叙事。这个展览可以为蓬勃发展的、以资本推动的中国当代艺术的扩张提供一种前当代、或者说非当代的参照。这种扩张以拥抱“全球”的方式，再次确认了西方现代主义的典范地位，而西方以外的、本土的、特定的民族现代性却仍然难以撼动原有的东西二元秩序。将这三位东南亚艺术家联系在一起的某些共性，比如说非传统主义、节制的表达，以及与艺术市场保持的距离，有可能帮助我们在更广阔的、由现代科技和冲突紧密联系在一起的世界中探寻关注点。如果不借助整合性的普遍修辞，例如国际主义，或是地方主义的怀旧，我们能否理解亚洲早期的现代主义者们对全球政治、跨文化遗产的觉醒意识，并将这种意识与我们自己的全球化斗争联系在一起？
5. “一把尘土：曼雷和马塞尔·杜尚之后的摄影”（A Handful of Dust：Photography after Man Ray and Marcel Duchamp），伦敦白教堂画廊（Whitechapel Gallery，London），David Campany策展.
展览的副标题容易令人误解这是一个专门讨论摄影史的展览，事实上这是一个野心勃勃的跨媒介展览，既是作家也是策展人的David Campany试图通过种种当代文化中的“尘土”意象，思辨性地勾勒出20世纪的人类历史。展览的出发点来自某个现代主义的黄金桥段——曼雷为正在创作“大玻璃”的杜尚拍摄了一张照片（Dust Bleeding，1920），拍摄后却让它在工作室中刻意蒙尘，直到60年代之后这张难以辨别图像来源的照片才在各种期刊、杂志和书籍上广泛流传；展览的主标题则引自T.S艾略特的《荒原》（1922）中的名句：“我要给你看恐惧在一把尘土里”。在当代艺术展览越来越普遍地将艺术与大众文化产品等同起来的趋势下，把包括罗伯特·费里奥、里希特和杰夫·沃尔在内的30多位艺术家的作品，与各类杂志拉页、新闻照片、明信片和电影片段并置起来可能并没有多么令人惊喜，但当阿伦·雷乃《广岛之恋》中放射性尘埃洒落在恋人身上的片段以接近文献注释的方式在展厅的小屏幕上循环播放时，我们才刚刚意识到21世纪的人类史，将彻底地成为图像史。
6. 斯蒂芬·齐尓品和谢尔盖·齐尓品 “十音：在大调小调的内外”，McaM上海明当代美术馆，比利安娜·思瑞克策划.
作为对中国现代音乐史有着深远影响的亚历山大•齐尓品（Alexander Tcherepnin）的两位后人，斯蒂芬·齐尓品和谢尔盖·齐尓品在明当代美术馆的别墅中呈现了为期两晚的声音/装置现场。在2017年11月熙熙攘攘的上海两大博览会期间，这种地下、即兴和私密的现场气氛，令人联想到上海及其它地区中国艺术家在城市化早期的90年代组织的各种自发活动和展览。两位艺术家通过声音、道具、舞台布景和观众身体的组合来捕捉“空间的声调”，召唤出现代音乐史和个人家庭史中的不同“灵魂”并进行对话：一方面回应了约翰•凯奇试图运用《易经》对西方古典音乐体系的颠覆，亦向艺术家的祖母，前上海音乐学院毕业的第一位女钢琴师李献敏致敬，更将与祖父齐尓品相交甚深的潘玉良在其家庭记录中的珍贵影像纳入现场装置。这一场动态的，此起彼伏的声音降神，引导观众在颓败乏味的房地产空间中游走，足以短暂地盖过当代艺术景观和资本强势的背景音。
文／ 蔡影茜
