初次看到周思维的画作是在去年，“沙丘”（2013）“日落”（2012）“雪人”（2011-2012），均以实物为题，给观众足够的信息，在有限范围内从“形而上”的画面展开体验。艺术家用反复涂抹来进行内容扩写，那些蓝绿色调让人立刻联想到雾霭笼罩的湿地或是透过结冰的海面隐约可见的鱼群。但画面始终不会太厚，所以单从照片你会很难以分清其纸上和油画作品。

在这次的个展中，他预设好颜色、形式和工作顺序，这就意味着他在实践的是与绘画工作方式有关的一次“实验”。在设定“常量”和控制“变量”的发挥后，艺术家收获的是随机而又同一的视觉输出。《绿玻璃》（2014）依然不会有热烈的觥筹交错；《洞穴》系列（2013）中，“洞穴出口”四周的质地和光线被色彩妥善处理，当然的成为画面的视觉中心，而色彩重叠的绘画痕迹在边缘处若隐若现，有着类似丝网版画得到的即兴效果。相对过去画面里出现过的锐利和明晰的几何体带来的冷静和决绝以外，《调色板》（2013）边缘钝化柔和，与赭色背景融合的圆形“颜料块”流露出更多包容和期待沟通的暖意，但沟通不等于妥协，耀眼的明黄色圆形是它的高音、宣言和不动要义。

跟墙壁上的画作相比起来，展厅中间桌上的“装置”略显生硬。这些彩色的工业模具材料制成的几何块群被看似随意的堆放在一张工作台上。观者会去好奇它所用的材料，好奇它们是否是艺术家未来的另一个创作方向。这些也许能在创作间隙起到某种疗愈和启发作用的尝试在这个展场里，却只起了制造气氛的作用。它们的存在似乎在提醒观众，不要把这个展览看成单纯普通的画展，这种唯恐被忽视的提醒也在展名中显现。其实，这场对于工作方式的“实验与呈现”均带给艺术家和观众不同于满足欲望的快乐，作品本身比展览宣传得更为自信。

文／ 卢婧