一直以来，梁玥的作品都在用镜头安静地捕捉着她所观看着的世界，近期她在箭厂空间的展览“20140706”，以录像装置的方式展示了她对北京市井胡同生活的一次记录。

我大学毕业于上大美院，中学毕业于上海第三女子中学。虽然学习经历对我多少产生了一些影响，但很多时候还是人的偏好和本能在做抉择，比方说我看过很多电影，但是会偏爱某种冷调调的；我也看过很多书，但是会偏爱散漫但不失逻辑的。

这次跟箭厂合作的契机是因为我跟箭厂空间的负责人认识了很多年，一直觉得这个空间很让人喜欢，但一直没找到恰当的点去做些什么。一直到去年，我在拍摄大量的关于时间和日常素材的时候，有了想给箭厂拍摄一条片子的想法。箭厂的所在地一点也没有展览感，简单又市井，把生活像揉面团一样的充满了这个地方，所以我就打算拍拍周围的时间。我觉得眼前的世界即包裹着我的周围的流动着的时间，这些内容太多太广泛了，只要活着，就在看这个世界，所以拍拍周围的时间也可以理解成拍拍眼前的世界。

日常生活对我来说就是全部，每天发生的种种、头脑里的东西，总之人所感受到的全部都包括在日常生活里，日常生活又可以说成是活着。以日期命名作品是因为我觉得那些作品以日期命名很适合，是一段时间的惯性的创作，是令我感到舒缓的一种对作品的解读。我的创作大部分是依靠本能和天赋，而对作品何时完成的判断也是到时候就知道了。

我每年都有可能会做出新的作品，但都没有什么计划，他们

Institute For Provocation（IFP）是基于北京的一个工作室和智囊团，主要举办包括艺术家驻留、研究项目、工作坊、讲座等系列活动。坐落在南锣鼓巷旁支的黑芝麻胡同，IFP旨在成为一个集合艺术、建筑、设计和城市研究等多学科跨界的交汇之地。IFP新项目空间黑芝麻（Black Sesame）于今年开启，并举办了艺术家柯艾(Esther Kokmeijer)的展览“呼风唤雨”，我们特此邀请项目指导小麦（Max Gerthel）回顾IFP的创立以及介绍接下来秋季的项目。

我是来自瑞典的建筑师，曾就读于丹麦皇家美术学院建筑系。在巴黎和哥本哈根工作后，我于2010年搬到了北京，一直从事教学，同时是一名自由职业建筑师。埃尔斯·斯夫伦特- 巴克莱（ Els Silvrants-Barclay）原本是一个汉学家和剧作家，她在2005年至2009年期间住在北京，在798的早期岁月为黄锐和大山子艺术节工作。这期间她创立了Theatre In Motion，作为一个侧重表演和行为的中欧艺术文化交流平台。陈淑瑜是一名毕业于清华的建筑师，与艾未未工作几年后成为MAD建筑事务所文化和编辑项目的负责人。2008年我第一次来中国，在MAD的工作期间认识了埃尔斯和淑瑜。

埃尔斯和淑瑜在

纽约艺术家刁德谦（David Diao）近期在2014年惠特尼双年展上展出画作，三月会在斯特拉斯堡大学举行了研讨会。他近期的展览“刁德谦：从前至后”，由理查德·克莱因（Richard Klein）策划，日前在奥德里奇（Aldrich）当代艺术博物馆展出。这场展览也与这家机构五十周年庆一同拉开帷幕，时间为2014年7月13日到9月21日。

当理查德第一次提议这场展览时，我想到以2005年在康涅狄格州新迦南所做的关于玻璃屋和建筑的绘画为主。他认为这个想法没有超出预料的范围，所以很快就否定了。但我手头没有想展出的大幅新作，他决定从我最初的创作开始。画廊的空间并不大，但包括博物馆的入口，这样我们就有了好的开始，去想想如何布置这场展览。90年代我做了一组绘画，追寻的是这样的问题：作为一名艺术家人如何描绘和记录生命。它们以生活履历，销售记录，工作室参观，评论的形式展开，这些都以有序的图表列出，就如一场回顾展的介绍标签一样。我的脑海里是一个普普通通自给自足的艺术家，但却使用手头拥有的事业中期收集的数据。长时间以来，我都没觉得我在做自传。作品里，1991在题目“…一个真正的寓言…”之下，是对库尔贝在工作室的自画像的直接指涉。在奥德里奇，我最终呈现的是建立绘画，《简历》，作为放在墙上的文本展示出来，呈现的样子也是我最初想象出来的样子。这件作品在三个分开的镶板上，二十二英尺长，这个长度对原来计划的墙面长度，有些太长了。理查德找出了一条妙计，就是将三个板打坡，在进入画廊的双层玻璃门的两侧，第一个在左边，另外两个连着在右边。看起来就好像是绘画分别邀请观众进入展览（画里的主题是艺术家二十二年的展览史）。

11月22日，第十届上海双年展将在上海当代艺术博物馆（PSA）拉开帷幕。在此，Artforum中文网邀请到此次双年展总策展人安塞姆•弗兰克（Anselm Franke）与大家分享他对此次上双的构想。安塞姆•弗兰克是一名现居柏林的策展人／作家，目前任柏林世界文化宫（HKW）视觉艺术和电影部负责人，曾策划过多场国际展览。

上海双年展将是我在大中华地区做的第三个项目。前一个项目“万物有灵”是受卢迎华邀请，于2013年在深圳OCAT展出。当然，这个展览之前已经在欧洲和美国不同展场以不同面貌展过，后来又去了韩国和黎巴嫩，明年还会到巴西。对深圳展览的效果我很满意。

2012年的台北双年展，我是受到文学传统和一本具体的书（王德威，《历史与怪兽：二十世纪中国的历史，暴力与叙事》）的启发。另外就是，从比喻的意义上讲，台湾是一片不稳定的场域。我认为，艺术同样能够创造不稳定的场域。这在很大程度上也是艺术体验的核心：它打乱我们平时测绘或穿行这个世界的方式，将我们带到其他领地，带进具有转换力量的图景里。

所以，我在面对不同语境时的处理方式是：尝试找到艺术作品与现实中不稳定场域之间的连接点，找到在某种程度上能够质疑我们既有认知的联系。就上双而言，我主要关注的是我们给社会绘制的各种地图，以及这些“地图”和社会经验之间的关系。此外，在中国，我更倾向于依赖心理学家所说的“习得直觉”。因为我不会说中文，所以这一点变得尤其重要。

OCAT西安馆于去年11月正式开馆，这是西安首家以当代艺术为核心的美术馆。自开馆至今，这里相继举办了“书与法·二”，“与绘画有关”的展览，以及各种公共教育活动。不久，夏季项目即将于7月26日拉开帷幕。Artforum中文网采访了OCAT西安馆馆长凯伦·史密斯（Karen Smith)，请她讲述了日前正在筹备的项目以及西安馆的运作与发展。

我们的夏季项目是第三个展览，因为我们去年十一月份才开始。开始时，我们做的展览都是考虑西安的观众，可能稍微保守一点。一个是书法，第二个是关于绘画。所以到夏天，我们准备做一些比较靠近当代的项目，并希望能与观众有个互动。我有时用中文这个字不是特别准确，就是说“教育”人家。我说“教育”并不是想表达我们什么都知道，也没有骄傲的意思，而是想通过我们的展览项目让人们对怎么去熟悉艺术这个问题更有想法，让观众有机会认识到艺术如何跟他们的日常生活发生关系。我们这个夏天想要做到的第一点是围绕年轻人，哪怕是年轻艺术家、策展人，或者是比较年轻的非盈利机构，我们希望能把握这种年轻的精神状态。西安也是很有活力的城市，位于西安的大学很多，有一百多万大学生，我们希望他们也是我们的观众群体之一。

我们的夏季项目有两个部分。一是有策划的概念，是我们的策展计划招募，我们公开征集优秀的策展方案，是面向任何人的，但前提是最好他们都是首次和美术馆合作。这代表我们要鼓励年轻人参与，我们也会以

简策2008年毕业于柏林艺术大学 (UdK) 美术系，现为柏林洪堡大学图像与艺术史学博士生。此次简策于空白空间的展览使用了传统视觉理论中的基本概念“投射”为题，探讨了透视与视觉经验本身之间的矛盾性。展览持续至7月30日。

“投射”作为此次的展览题目并不是提前的构思，它作为一个概念可能性比较多。它是对图案的一种基本的理解，我们在看外界事物的时候已经有了一种投射，我们的眼睛所呈现的是自然透视。透视是计算出来的，而自然透视是我们的肉眼看到的世界。但是由于我们的肉眼是球状的，因此它呈现的边界是模糊的，形状也是走形的，相机拍摄到的世界也是如此。而如果将图像投射于画布上，无论采用什么样的材料，我们在画布上营造出的图像之中，都让人能联想起的事物与状态呈现出的假象。所以投射是一个很宽泛的概念，你可以在各个层次上感受到它的存在。

而我自己对于投射的关注点更多在于，如何通过理性架构出一个图像并通过投射和透视赋予它基本的结构。我把画作为一种虚拟出来的画面世界来理解，画面就是我制造的一个假象。很多时候我们开始绘画都是先描绘照片，这些照片可能是新闻图片、人像和风景等等，相机捕捉到的空间和人一瞬间的表情都是一个薄片，是从这一秒钟切割出来的一片碎片，它是有偶然性的，它呈现的空间是单薄的，因此如果参照这样的图像进行绘画，那我们就会受到很大限制。但是如果我能够以透视图、以一种计算出系统空间作为参照的话，那么我对空间的理解就变得非常广阔非常自由。如何拉扯线条，如何让它们具有相对的必要性，这些关系都是我自己可以决定的，如果只是对照着照片画，那只是对于照片中的图像做出的一种反映，能做的就非常有限。

章清，生于1977年，生活与工作于上海。自早期荒诞和暴力幽默的行为艺术逐渐发展为一种成熟的录像和装置语言，章清的作品混淆了现实与虚构、公共与私人、荒谬与合理。章清是2013年纽约亚洲文化协会（Asian Cultural Council）艺术家个人奖助获得者，近期赴纽约驻地创作。

我在2013上半年得知我获得了ACC的奖助，今年4月15日来了纽约。在来纽约之前，虽然听到读到的很多，但对这里的情况、艺术家创作状态的印象毕竟还是模糊的，来了以后最大的收获还是来自不同的观展经验，以及与本地艺术家的交流，理解这里的生态，几乎是一个打破神话的过程。这些对我自己的创作肯定是有影响，但这种影响目前不一定说得明白。

纽约不同区域的艺术氛围让我联想到国内各个艺术园区，但我觉得下东区格兰特街（Grand Street）附近的那些画廊很有意思，仿佛是介于切尔西商业画廊与布鲁克林的那些非常自发与理想主义的艺术空间之间的一种状态，这种状态好像在国内还比较少见。印象最深的展览还是在MoMA。尤其是Sigmar Polke回顾展，他对艺术的理解是很惊人的。

我去过ISCP（国际工作室与策展项目）看驻地艺术家的工作室，我个人不是很适应这样的环境，一间一间，在我看来有点像监狱也有点像坐台。所以这次来纽约驻地我没有工作室，做录像的话就在大街上，在家里我也能构思和研究。有些人一定要走到另一个空间去工作，我不是这样，为什么不能起床了就工作？对我来说生活和艺术本来就不是分开的。

艺术家谢墨凛1979年出生于中国温州，先后毕业于中中央美术学院壁画系及英国爱丁堡美术学院绘画专业，现工作生活于北京。他的绘画作品皆经由其发明的三轴联动绘画机器完成，通过精密的操作与细腻的调控，往往可以展现出异乎寻常的恒定与庄严的气质。在这篇访谈中，他详细介绍了最新个展“灿·烂”的创作经验以及背后对于绘画问题的深入思考。展览将持续到8月2日。

我的绘画机研制是从刻字机开始的，然后换成三轴数字加工中心。曾经有个阶段机器研制不顺利，就先放了一放，专心在画面上下功夫，也可以说是忙活展览。一般我都是两个方向：通过画面去想机器，以及通过机器来做画面。这两边常常交错在一起。我一直严格的分流程来制作作品，有点像工业生产，但工业不等于没人性。正如工业有个标准，我的东西在视觉上也有个标准，想达到让观者一看就会被吸引，然后还要琢磨一下。

这次的个展“灿·烂”上的画较上次有了微调，由不透明到半透明，由色彩间的硬过渡到渐变。这些微调来自我对形式的长期摸索。开始都是加法，比如让色彩更丰富、更艳丽，一心想把各种可能性赶紧做出来，现在慢慢减了好多构成上的因素。这可能也来自我心理和精神状态的转变。一方面社会现实中的时弊和负面感受在心里不断累积，但我却无法对它做出直接的改变；另一方面我也清楚自己不能在这种情绪状态下工作。这时就需要在画面上做一种逆向逃离。建立些正面的东西，想给出些希望，让画面看起来不绝望。这类似找到一种“解脱”的状态。其实只要一直在行动，负面的东西就不会压着你，停下来才会不知所措。

谢其，1998年毕业于中央工艺美术学院，现工作生活于北京。近期在北京艺门画廊的“谢其新作展”上，艺术家选取了以人民币以及不同时期的毛泽东肖像为题材，展开了自我绘画语言的又一次探索，人民币和毛的肖像也由此成为了可被观看的风景。展览持续到6月9日。

其实起初想起画人民币，也就是有一次突然看见一堆脏钱放在那里，我觉得挺好玩的。因为我自己一直画肖像，所以对脸和目光这样的东西非常敏感，但凡有眼睛存在你就会觉得有目光存在，而皱巴巴的钱里面也有表情和目光。钱是一个不需要特别说明的绘画题材，因为它作为日常生活物大家都明白，这样我就不用为了解释我的绘画而去编造故事，观看的人也能更集中在画面本身。我并不那么在意画什么。我的绘画对象是一直在变，很早期的时候我画过一段时间熊猫，有一阵子我画过天桥的乞丐，还有一段时间我在画异装表演的朋友，别人也问过我，你的绘画是不是有关于酷儿理论的，但是我其实完全没有这样的关注，当然我有自己的审美上的倾向。虽然已经有很多人画过老毛或者货币这样的题材，而且选择这类题材意味着某种危险性，也会让喜欢私人化题材的人有些反感，但是我去做这一系列绘画的时候，只是凭着当时的兴趣和一时冲动，并没有策略性地以政治的或者说是经济的角度作为出发点，我对这些层面的意指没有太多考虑，我只把这次题材的尝试当做一种挑战，迎面而上。

人民币其实我们每个人都很熟悉，可是实际上平常我们只注意到它的面值和

出生于德国，如今作为艺术史学家、独立艺术评论家以及策展人的杨天娜 （Martina Köppel Yang）策划了上海外滩美术馆最新群展“以退为进”。有意味的是，本次展览的艺术家名单成分复杂，囊括了已故艺术家，当代艺术系统以外的文人、政治家等。“以退为进”所针对的时间焦点或背景是在中国当代艺术中持续发生的“传统回望”热潮，以及围绕传统媒介与艺术市场操作间错综复杂、难以梳理的关系，我们就这些问题对策展人进行了专访。展览将持续到8月3日。

5个月前，外滩美术馆探问我要不要做一个这样的展览，我答应了，理由是之前我曾策划过一些与之有关的展览。比如说，2006年的深圳国际水墨双年展的一部分便是由我策划。不过，这意味着我只有5个月的时间来准备，所以我选择了那时有过合作的艺术家， 因为我相信这些艺术家可以在一个很短的时间内创作出相当好的作品。郑国谷，阳江组，杨诘苍，蒋志，我都比较熟悉，我确信他们一定会做出很有意思的东西；至于另外一部分艺术家，虽然我们彼此没有合作过，但我了解他们一贯的创作质量，这样的选择会让我放心。我的策展初衷是：不管艺术家是否已经功成名就，只要能作为引证的素材就可以拿来利用，所以我特别选择了那些与展览题材有关、却不能经常见到的作品。

最近几年，和中国传统媒介相关的展览很多，但许多是重复性的讨论。虽然我长期从事与东亚艺术史相关的研究工作，可我对这类展览的确没有什么特殊的准备

崔岫闻，生于中国哈尔滨，1990年毕业于东北师大美术系，1996年中央美术学院研修班毕业。从最初探讨女性身份的架上油画，到备受关注的《洗手间》（2000年）指涉女性与社会的融合与抵抗，再到最近的“缘系一生·灵魂之爱”，艺术家使用了九种形式来解构“身心灵命”的生命主题，试图将个体与宇宙进行精神层面的连接。

现在我所有的想法都起源于小时候蒙昧的种子，当时周围的人不知道我在想什么，而自己总有一种模糊的感觉。只是察觉到自己不喜欢所处的生活环境，上大学离开家的那天，我回头看我的母亲，知道我绝对不会再回来。那一刻代表着决裂，虽然当时并没有所谓具体的理想生活环境的构想，但是内心的种子在长大。它的萌芽开启了我精神性的拓展，多年的创作实践让探索的路更加坚实。通常我们通过知识、学问、技术也有可能获得事物的本质，但是我选择以艺术作为载体，走生命觉悟的这条路，我生命的空间被拓展了，最直观的表现是五感官被打开。例如以前用眼睛去看事物，于是用视觉来呈现，现在可以用耳朵去听，用身体互动，加入感觉进来，于是可以自如地使用装置、声效、对话等形式，更多通道被打开，才能游刃有余的将多重元素综合起来。

阿斯巴甜小组的命名来源于英文Aspartime，借用他们在微博上的小组介绍“阿斯巴甜是专业非专业的全天候兼职的明确未知的艺术活动、计划、项目”，自2012年成立以来，阿斯巴甜一直以网络为创作平台，2012年借由微博他们展开了“Update微博计划”，2013年阿斯巴甜入驻淘宝展开了“Aspartime收藏计划”，以每件两元的价格出售艺术创作相关图片或方案。近期在应空间的展览“是什么让今天的生活如此不同，如此富有魅力”是以他们的“idea”系列作为串联的一次线下落地活动，展览邀请了来自不同背景的23位参与者共同创作完成。

我们是在英国留学时认识的，我们的专业都与艺术相关。回国后在几次聊天后，还是决定做成立一个小组，去消解掉一些太过于个人化的东西，我们的淘宝店也是在这样的背景下开设的，现在你能看到“Update”、“是什么让今天的生活如此不同，如此富有魅力”和“idea”这三个主要的系列。Update是回国后最早的一个项目，那时我们的工作模式还是传统的艺术家工作室方式，就是我们将一些日常物品组装成小型装置，再进行摆拍，每天将拍摄的图片作为成品发布到微博，现在淘宝网上以每件两元的价格进行销售。在之后的这个系列“是什么让今天的生活如此不同，如此富有魅力”中，我们以纯文本方案的形式，虚拟了一些人物并讲述他们做的事情。我们还有一个打造艺术家的高级定制项目，就是找到一个希望成为艺术家的普通人，为他量身定制属于他的艺术家形象并将他推广到公共视野中，但到目前为止这个项目还只是一个玩笑，从未实现过。“idea”系列更像是“Update”的升级版，在这个系列中我们的态度逐渐明确。我们将方案卖给别人，让渡了我们自己的艺术家身份，让别人实现自己的作品，而不是做我们的作品。