无论是对声音或音乐本身的创作，或者是探讨“声·音”这种基本元素背后隐含的观念、文化意象，或者社会、政治议题，杨嘉辉在近年来已做过大量尝试。这次在香港视觉艺术中心的个展“配器法”，或可以说是他将近几年的创作思路整合升级：运用作曲家所擅长的方式，将声音这种元素和声音所可能承载的物或概念，在实际空间和虚拟空间里循环往复，叠加糅合，进行了一次体量庞大的“虚构实验”。

展览中的作品《消音状况#22：消音的柴可夫斯基第五交响曲》（2018）虽已在各地展出过，但这次以剧场版本呈现，使观众必须静坐观看而非在空间中游走，长时间注视影像画面中演奏着却被消音了的交响乐团，那些演奏者细微的表情、动作的力量等等曾因音乐本身而被忽略的部分因而变得更加明显且趣味盎然。把消音这种减法当做加法使用，凸显原本不可见不可听之物，在原有叙事中重构出另一种情境的创作概念和意图，也因由剧场的设置，被更加放大和直接地传递出来。

而对“虚构”的一场大型实验，则是表现在另一件新作《合成音乐#1.5（feat.NESS研究小组与Stephan Moore）》（2019）之中。这是杨嘉辉与爱丁堡大学NESS（Next Generation Sound Synthesis）研究小组合作创作的作品，杨嘉辉借NESS的实体塑模技术，以演算法模拟音源的物理特性，复制某一部分的声音，由此在软件中设计出虚拟乐器并使其发声和奏乐。当然，这仅仅是类似于思想实验的第一步。作曲家往往对于空间和时间具有一种超越常人的感知力，杨嘉辉正是充分发挥了这一本能的优势，在多维空间里垒起了一整套介于现实与非现实之间流动的演奏系统：横穿展厅的庞大黑色管道、斜切进墙面的巨型漏斗、无声影像中飞翔的火龙和占据一整个运动场的长号，以及那些看上去或欢呼或落泪的人群；藏在暗处的拼接的人体雕塑；那张半掩着的“Oh! What a Lovely War”的海报……各种元素以微妙的互动和牵连维系平衡，并建构了迷宫的前半部分，而随着观者的介入、行走、思考，和向下一空间的移动，线索逐渐累积串联。下一个空间里围成一圈的高低起落的音响，按精准的时间表启动奏响一系列参考了军号声的乐曲（这些乐曲正是由软件模拟出来的虚拟乐器所演奏出来）；空间顶部随声音频率闪烁的彩色灯光，将所谓“音色”以可视的形态呈现出来；乐曲响起，众声喧哗戛然而止，观者也恍然大悟：现实空间里显现出一个镶嵌在整个艺术中心墙体里的巨大管乐器，它正是在软件中被虚构的乐器，它可以用300度的气息吹奏，吹奏它的是人类传说和想象中的火龙，所以它也必然是20尺的庞然巨物，当这种乐器发声，震耳欲聋，人间的喜怒哀乐皆听它发号施令……杨嘉辉以一种结合传统和创新的方式，打破对空间和时间的固有认知，让观者在空间中行走之时，借各种零散的信息拼图，反复推敲和想象着这种“乐器”背后所可能具有的历史叙事，亦或政治意味，进而反思声音/音乐和人类文明、社会演进之间的相互关系。更进一步说，杨嘉辉对乐器、对乐器的塑造和发声过程的想象和虚构，也恰恰隐喻着社会、历史、文明和人类精神世界的形塑过程。

文／ 王慰慰