现居北京、洛杉矶两地的艺术家鄢醒以制作经过精心设计编排的装置、录像、照片和行为表演见长，作品游走在高级坎普风（Camp）、情节剧和真诚表达之间。他最近在北京麦勒画廊的个展展出了若干新作，其中包括以艺术家段建宇的绘画和小说为原型的《女收藏家》。他在瑞士的首场个展“鄢醒：标准展览”于2014年2月14日到4月12日在卢塞恩的麦勒画廊举行。

我对如何“框定”自己的作品有非常具体的要求，我想控制观众的体验。这是我对观众参与的公开拒绝。观众只能看到我希望让他们看到的部分，这种“被迫接受”的观看是我对艺术的理解。每种材料都有它具体的逻辑，它们常与“主题”相匹配，而“主题”这个命题则通常在“抽象的”和“具体的”之间来回摆动。我的很多作品只提供一种观看的可能性。有时我的参照点是广义上的层次，比如地理，生存，人性，各种普世价值，有时我的指涉对象又是某个具体的艺术家或作品（比如罗伯特·梅普尔索普或爱德华·霍普），艺术家应该对所有门类开放。在《女收藏家》这件作品中，我的灵感来源是另一位艺术家／作家（段建宇）。这对我来说是一次新的尝试。这件作品包括了21张风景画和若干仿照农场用具制作的雕塑，它也为我的新作品提供了大方向，包括布展中使用的凌厉的质感以及“更现代的”美学中不曾存在的突兀的现代感。

我是段建宇诸多作品的热心读者，我相信我也是研究她创作的专家之一，毫不夸张地说，我觉得我是目前研究她绘画最透彻

二月六日那天，在登机去达卡的几分钟前，我听说了那里罢工的消息。三个印度商人在德里机场讨论着他们在孟加拉生产制造的T恤衫上的瑕疵，讨论他们的形成安排，想避开当地所说的hartal（大规模罢工）。至于我，登上飞机是要去参加第二届达卡艺术峰会的开幕晚宴，这场峰会信誓旦旦表示只推出南亚艺术，活动包括独立项目，展览，画廊展馆，表演，电影放映，讲座，举办地是在国立艺术机构Shilpakala学院。落地后，我不禁这样想，对于一个时常发生政治罢工并且不时有街头暴乱的城市，能举行一个为期三天的“国际性”当代艺术节，是一件多么难以企及的事。其实，峰会能够办成证明了年轻收藏家Nadia 与Rajeeb Samdani夫妇的决心，他们为举办这场盛事投进了近一百万美元。“在孟加拉，缺乏支持艺术的各种客观条件，所以这完全是场雄心壮举。但我们对艺术的激情是不可阻挡的！”Samdani艺术基金会总监Nadia Samdani自豪地说。

不过，那天并没有公车被烧，街上的交通工具也没有发生汽油爆炸。罢工不经意间缓解了交通拥堵，我去达卡富人区吃日本料理时，一路比较畅通。世界各地的客人不由自主涌向了餐厅的开放式酒吧；推杯换盏，似乎很少有人意识到在本地喝点什么就并非易事。我看到了这些人：Gasworks的Alessio Antoniolli,古根海姆的Sandhini Poddar, Delfina基金会的Aaron

莱伯尼茨的充足理由律提出：“一件事存在，而非不存在，必有其理由。”家作坊在2013年年底的解散虽然与房租到期有关，但本质原因是家作坊成员之间的合作精神已死。我们应该如何看待这种合作？就像韦伯在《新教伦理与资本主义精神》中指明的，对一种生产的解读可以回溯到决定其“工作性”的神学结构中去，尤其在讨论家作坊这类以“服务”介入日常系统的实践的时候，后者以及其中蕴含的时间性就更为紧要。在家作坊最后一期的出版物《附录》中，成员曲一箴发表了一系列关于家作坊人与事物的照片，每张照片下面都有一行字：其实没有也行。我特意将这句话定为本文的标题，并希望能在家作坊结束之后为它补上一篇前言。 附录/前言的旋转门是所有参与者/读者重返现场/文本的必经之路，更准确地说，它让人回到对于某本初现场或原始文本的想象当中，这种想象一半是对一草一木、一颦一笑的追忆，另一半则是对逍遥于记忆之外诸事的思考----后者再也记不起来了，但却不能忘记，它是历史与虚无之间的占位符，也是二者征战的边界。

对传统艺术生产和日常生活来说，家作坊的工作都是既熟悉也陌生的，像一种刻意模仿的乡音，在唤起认同渴望的同时不断延迟认同的达成，这也是为何它能够容纳各种声音却始终自说自话的原因。如果说艺术生产的现实是完成作品，而日常生活的现实是解决问题，那么家作坊就在通过艺术解决问题，用日常完成创作----它是不现实的，或者说，它在各种“不实现”中实

弗吉尼亚•杜文（Virginia Dwan）的善举，为艺术世界写下了浓重的一笔。1969年，她资助了麦克•海泽完成了《双重否定》（Double Negative），并与出版人Seth Siegelaub合作，为卡尔•安德烈（Carl Andre）的诗集的出版出资，一年后，她赞助了罗伯特•史密森的《螺旋藻》动工，六十年代，杜文是一名艺术经纪人，1959年在洛杉矶开设第一家画廊，在她的推动下，伊夫•克莱因也是于1961年，完成了自己在西海岸的第一场个展。1965年，她在纽约开设了新空间，举办了具有里程碑意义的极简主义、观念主义和大地艺术展。1971年，她关闭了画廊，肩负起了另一个社会责任，开始和艺术家拍摄电影，用影像记录他们，这些人中有斯图特文（Sturtevant）， 约翰•凯奇,苏维罗（ Mark di Suvero），安德烈，海泽。

去年秋天，华盛顿的国家艺术画廊宣布接受杜文捐赠的250件作品（油画，版画，素描，摄影，影片，艺术家图书）。这些作品将在詹姆斯•梅耶（James Meyer）策划的展览“从洛杉矶到纽约：杜文 1959-1971”中展出，这也是2016年博物馆将在东楼展厅举行的开幕展。近期，杜文坐在她的上西区公寓里，讲述了自己的生活，住处里的收藏，只是她丰富的划时代收藏的冰山一角，但那里依然称得上是战后抽象、新写实主义、极简主义和大地艺术的珠宝屋。在两部分访谈的第一部分里，杜文谈起了自己的画廊。

《长物志》第四回展：梁硕

在这样一个水墨画突然出现在各个角落的一年里——无论是各个画廊组织的关于水墨画的展览，还是拍卖市场上水墨画广泛引起的关注，甚至包括刚刚在纽约大都会美术馆开展的“Ink Art”大型展览，关于水墨画在当今社会与文化中的作用及潜力的讨论又有了新的内容，梁硕通过水墨画呈现了自己对社会安静而又尖锐的观察，至少对于我来说，既有效又有力地提供了当今水墨艺术的可能性之一。

梁硕，“《长物志》第四回展：梁硕”，蜂巢当代艺术中心，北京，策展人：戴卓群。

阳江组：不立一法

似乎是今年的潮流所向，民生美术馆展出了阳江组的书法个展。这是理想状态下的当代表达——特别是2007年的作品《最后一日，最后一搏》，将书法应用在商业世界里使用的世俗招牌上，提醒着人们“清仓大甩卖”活动。这件作品精彩地与当下构成对话，并在展厅中得到了出色的呈现。

阳江组，“不立一法：阳江组个展”，民生美术馆，上海，策展人：李峰。

王兴伟：王兴伟

王兴伟是在中国非常受尊重的艺术家，而这个展览也很成功地解释了为什么。王兴伟并不经常出现在公众焦点之中，但是这个展览却是对他二十年绘画生涯的及时总结，在这个过程中他的艺术为许多艺术家提供了灵感。

王兴伟，“王兴伟”，尤伦斯当代艺术中心，北京，策展人：田霏宇。

皮皮洛蒂·瑞斯特：留涟

我记得第一次在中国看到皮皮洛蒂·瑞斯特的作品是在上海双年展上。那是一件迷人的

仇晓飞：反复

仇晓飞在民生美术馆的个展最明显的特征是其展览结构的明晰与简单。民生美术馆巨大、复杂的展厅被分割为三种颜色的展示空间，每个空间对应艺术家的一个发展阶段：童年涂鸦；仇晓飞代表性的怀旧风格成型期；以及他的最新创作。最后一部分展示空间是此次个展的重点所在——仇晓飞超越他（开始有疲惫之势）的怀旧风格，勇敢进入新的方向：明亮的颜色，超现实的构图，以及绘画与装置的结合。

仇晓飞，反复，民生美术馆，上海。

王兴伟：王兴伟

令很多人翘首以待的王兴伟中期回顾展没有叫人失望，在UCCA大展厅里，我们能看到艺术家视觉观念的整个宇宙。将展览分为背面图、侧面图、正面图三部分的策展框架有效又不失幽默，使整个回顾展打破了线性的时间顺序，充分展示了艺术家在过去二十年里如何在中国／西方艺术史、中国社会现实、大众图像与每一类场景所需技法之间编织起一张复杂的视觉联想网络。王兴伟几乎让人心生敬畏的创作世界似乎在反复向我们提出一个有关今日图像生产的核心问题——图像是否能够拥有普遍性？

王兴伟，“王兴伟”，尤伦斯当代艺术中心，北京，策展人：田霏宇。

当态度变为形式：1969年伯尔尼/2013年威尼斯

虽然因为世代不同而未能亲见

夜走黑桥

又一次将信任和自由交还给对方的一个展览，策展人崔灿灿通过放弃展览主权的方法，获得了更广阔的天地。艺术和策展的关系，艺术家和策展人的身份得到了充分的体现与消解，艺术在这个空间中完全呈现出的自由姿态，可能是这5年来最难得的风景，毕竟这5年来我们更多面对的是市场、经济带来的一边倒的文化现象，“夜走黑桥”可以在这一主流的态势中保有想像力和可能性，并非偶然。这也可以被看作是策展人和艺术家的一次合作，因为在个合作中，存在着“相信”的力量。

“夜走黑桥”，我们说要有空间于是就有了空间，北京，策展人：崔灿灿。

Pierre Huyghe：Pierre Huyghe

2013年看到的最棒的展览和艺术家，皮埃尔・于热作为“关系美学”的实践者，推出的展览远远超越“关系美学”的解释范畴，甚至之后的“后期制造”也不能完全破译他在现场和艺术创造之间所构建的逻辑，他对动物的热爱，从动物视角出发的思考。如展览现场惊鸿一瞥的前腿为粉红色的狗，以及戴着LED面具的人，都让整个展览幻化出一种更为神秘的东西。这是一个关乎纯视觉的展览，所有元素在引发思考的同时，不得不让我反思“意义在哪里？”，不可言表的情感因素，以及关乎身体行动、视觉传达、遗留物、现场等等综合因素的空间。

Pierre Huyghe，“Pierre Huyghe”，蓬皮杜艺术中心，巴黎，策展人： Emma Lavigne。

栗宪庭电影学

翟倞近期于空白空间的个展“目录-通天塔图书馆”充满野心，并展现出了其创作的诸多特点：机智，幽默，充满有趣的隐喻，以及对绘画经验之外的世界的开放。我们特此邀请艺术家就其创作经历与其中的不同面向展开讨论，试图整理出这位年轻艺术家在面对绘画这门“古老”艺术时的思考策略。

还在上学期间，我就进行过多种绘画技法的尝试和实验：打印、叠加等，进而发现，添加的好多东西对我反而是无用的。譬如说一个练拳的人，花拳绣腿并不会产生实际的效果，真正会打的人只要一拳就可以把人击飞，在我看来，直击重点就够了。如果一开始不断进行添加，就看不到真相，剩下来的东西，往往是重要的。我不知道什么是绘画，但是知道什么不是绘画。

2010年开始，我就在想如何能够有计划地将艺术创作深入进去，当时发现规划性特别强而成体系的创作往往造成一种消耗，艺术家本身在留意风格的过程中却无法深入个别的问题中，在这方面，艺术家有点类似于文化人，需要一个能够挖掘进去的重点。于是，我尝试用两三年或者三四年的时间来围绕一个主题做所有关于主题的阅读和绘画上的准备，让基础性的东西变得坚实，能够更加全面地了解我的问题。如果只是单纯地绘画风格的限定，就失去了深入进去的意义。

阅读经验对我来说很重要，它与我所处的信息背景融为一体，包括美学、艺术思潮等方面，并最终与我自身的艺术创作联系起来。比如我所阅读的俄罗斯小说，往往具有很强的镜头感，很容易变成电影，也会对我有所影响。艺术创作肯定是要往好的方向走，摆摆样子、吼几嗓子不是我的风格。在我这里，艺术的工作方式是全身心投入的，与自我有关的，非常人性化。

种族隔离的兴起与衰落：摄影和日常生活的官僚主义

在慕尼黑艺术之家（Haus der Kunst）的“种族隔离的兴起与衰落：摄影和日常生活的官僚主义”充分显示了策展人的魔术，使一个研究性的、严肃的展览不乏节奏、动感和强烈的氛围。这个包括了将近500个展品，包括了照片、书籍、杂志、新闻剪报、各种档案文献以及电影的摄影展既呈现了南非种族隔离的复杂历史及其遗留的政治、社会、经济和文化意识，同时让我们看到摄影对于记述和见证跨越南非这段跨越60年的历史所不可替代的在场，及其本身的力量。

“种族隔离的兴起与衰落：摄影和日常生活的官僚主义”，艺术之家，慕尼黑，策展人：Okwui Enwezor，Rory Bester。

余友涵：一斑

这个展览是一位艺术家向另一位艺术家发出的展览邀请，作为元•空间的创始人，曾梵志不仅在之前收藏过余友涵的作品，也邀请余友涵作为首位中国艺术家在元•空间举办个展。这个展览回顾了艺术家70年代末深受塞尚影响的人物肖像画到80年代以圆点为图像的抽象画至90以毛泽东为主要描绘对象的波普风格绘画到2000年后的印象派风格沂蒙山写生系列直至2012年的新作。余友涵在抗日战争期间出生于上海，早期学艺受西方现代艺术画册启示，文革前考入北京学习，长达八年的学习结束后，他回到上海任教并持续创作至今。他既是一位师长，承接了文革前后的两代人，也始终活跃在当代艺术的视野之中。

“余友涵：

因本人视野有限，基本不看影院电影，所以推荐的都是中国的独立电影，在此表示歉意，并特意注明我观看的“环境”。

薛鉴羌 -《残废科幻》

失业青年的低度幻想。这么说吧：大部分电影是矿里挖出来的煤到了大城市被消费的状态，小部分电影是废弃的矿或煤矸山的状态，此片是运输过程中掉在路边翻滚的煤渣。

在画天青年导演扶持计划评选中观看。

薛鉴羌，《残废科幻》，2013，彩色，有声，122分钟(基金申请版) 。

吴超 -《发生》

细节的绚烂，并置空间，日常动作近于虚构，人物有了模糊面孔。体现了构建世界的野心，也体现了个体完成作品可能指向的复杂程度。

在第二届独立动画论坛现场观看。

吴超，《发生》，2013，实验动画剧场，20分钟，4屏循环。

林伟欣 -《午朝门》

某中等城市广场是民间红色言论天堂。此片从头到尾一直在讲道理、似乎试图说服什么人，但影片自身一点道理都没有。很符合这两年我的心情、我对媒体和公共场域的旁观：声音比别人大的老年人＋本地人在混乱的逻辑中传播着空谈并等待下一轮次的群体暴力。

7月在北京独立影展选片时观看。

林伟欣，《午朝门》，2013，彩色，有声，97分钟。

贾之坦 -《“一打三反”在白云》

白云村村民在70年代初互相揪斗，甚至出过人命。如今大家坐下来，讲讲回忆，摆摆道理。中国纪录片中第一次有了所谓“加害者”与所谓“受害者”的当面对质。

一月在云之南选片时观看。该影展后来被停办。

蔡明亮 -《郊游》

蔡明亮说《郊游》很有可能是他的封镜之作。从开场的一个5分钟定镜，看着一个女人懒洋洋地梳理头发，蔡导演已经明确地表达，他要把自己心目中的极简主义推至极端。在这电影里，人的“态”已经取缔了“事”，细节已经代表了全貌。所以郊游更像是一个影像芝术装置，观众们必须拼弃既往对“事”要求的观影经验去欣赏此作品。《郊游》是反电影的，也是纯电影的，它也许不是蔡导最好的片子（我始终认为《河流》是他的代表作），但作为一种姿态，《郊游》是英雄式的。

蔡明亮，《郊游》，2013，彩色，有声，138分钟。

阿方索·卡隆 -《地心引力》

这电影充份地展示了电影科技不仅限于金钱堆砌和奇观式的卖弄，眼看当下各式大片都以3D、 IMAX等科技噱头做卖点，《地心引力》无疑是一股清流，让人耳目一新。故事背景发生在太空，但它不是科幻片，历险有血有肉，一切事情就像卡车司机在公路上遇险一样真实可信。导演不论在剧作上和特技制作上都有很出色的控制，没有奇观卖弄，各种细节做得巨细无遗，且处处透露着诗意。

Alfonso Cuarón，《Gravity》，2013，彩色，有声，91分钟。

宁浩 - 《无人区》

作品本身有不少硬伤，电影审查也肯定对创作制造了不少障碍,但以中国电影而言，无论以电影类型或是对社会的批判程度，这都是一部值得鼓励的作品。这个电影应该是中国电影史上相对合格的Film

去影院看电影，或看喜欢的电影，这一项再普通不过的娱乐活动，至今在中国内地的日常生活和文化生活中仍然步履维艰，困难重重。主要原因，国家管、控太多。无论是早年的“政治挂帅”，还是近二十年的唯市场取向，都使得内地的电影创作和电影生态异常畸形，难有稳定的和高质、量的发展。

2013年度，除去个人工作中对“独立电影”、艺术家电影和影像艺术展览的关注和整理之外，影院观影的经验其实乏善可陈。但如以2013年度游走国内外工作关系之余的一些影院经历，还是可以勉强整理出一些有意义或有价值的旧、新作品来，以为兴趣者讨论。

安杰依·瓦伊达 -《大理石人》

1月，台北光点。

几年前，曾经偶然机会在北京电影学院标放蹭过半部瓦伊达的电影，记得是《福地》（1974），巨大银幕，放的是胶片还是磁带没有核实，但声画效果足够，印象深刻。1月台北公务，适逢台北举办“瓦伊达回顾展”，没有错过。

因时间原因，只能选择一部，恰好是《大理石人》。瓦伊达是“波兰学派”核心，评论多称其为“半部波兰影史”，实不为过。影片《大理石人》描写的是1970年代的一位略显神经质的、初出茅庐的女导演，查访、拍摄1950年代“共产主义波兰”时期的传奇人物、一位工人英雄的过程。

拍摄此片前后，适逢波兰政治“松动”，瓦伊达抓住契机，挑战题材禁区，来质疑和批评“共产主义波兰”的政治上的虚伪，希冀引发社会讨论和变革。影片中反复使用了历史新闻片的素材，和带有“真实电影”风格的手提拍摄，使得影片论辩严密